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Vendredi 20 mars 2026 se déroulait, au Le Grand Marché de Québec, un endroit magnifique d’ailleurs, la toute première édition de Le rendez-vous, mode québécoise. Événement mode des plus rassembleurs qui permettait d’admirer, lors de cette soirée VIP, les belles créations d’une douzaine de griffes québécoises de renom. Le samedi et dimanche 21 et 22 mars, le grand public était invité à se procurer, par le biais de boutiques éphémères, ces créations. Et, DL Vision Mode y était !

Initié avec brio par les cofondatrices Émilie Picard, designer de Violette Mode et de Léonie L’Heureux Coulombe, designer d’Infime, puis orchestré par Noémie Croteau, styliste mode, ce grand happening urbain a permis ce maillage important entre créateurs de mode et grand public.

Parmi ces créateurs de mode notons la présence de Le Blanc Mouton, Vêtements Chacal E. Garneau, Infime, Julei Design, Karkass, Kollontaï, Lefrançois Créations, Manik Fashion, Rien ne se perd, tout ce créé, Slak, J’ai de la Veine et Violette Mode.

Un printemps bien visible

Afin de débuter cette soirée mode en grand, Le Blanc Mouton a présenté un intéressant défilé de mode qui inspirait printemps et joie de vivre. Les modèles proposés étaient des plus originaux et d’ailleurs cette collection est l’une de mes coups de cœur de la soirée.

Un duo créatif fort éloquent

J’aime beaucoup le travail de ce duo formé de l’artiste Esther Garneau et de la designer de mode Carol-Anne Pelchat et lors de la présentation de leur collection, j’ai admiré des modèles tous plus colorés, lumineux et éclatants les uns que les autres.

Le défilé de mode de Vêtements Chacal E. Garneau est d’ailleurs un autre coup de cœur de la soirée, bravo !

Des designs songés

Léonie L’Heureux Coulombe, créatrice de la marque Infime, a présenté ce soir-là de remarquables modèles aux jolis motifs floraux très féminins. Modèles pouvant convenir à la femme de taille régulière aussi bien que celle portant une plus petite taille. Et, cette démarche créative est à souligner en regard de la diversité corporelle, bravo !

Le sportwear affirmé de Julei Design

Lors de cette grande soirée mode, Julie Magnan, créatrice de Julei Design, a présenté à son tour une collection résolument moderne, confortable à porter et élégante à la fois. Collection bien dans l’air du temps qui s’inscrit dans le mode de vie actuel.

Et, cette collection est aussi un autre coup de cœur de la soirée, bravo !

De remarquables vestes

Caroline Castonguay, créatrice de Karkass, a quant à elle présenté une collection printanière rafraîchissante et ultra féminine, dont j’ai particulièrement aimé les vestes en raison de leur originalité, bravo !

Une collection printanière haute en couleurs

Je connais cette marque depuis de nombreuses années et c’est toujours un plaisir d’admirer les belles créations de Gabrielle Tousignant, créatrice de Kollontaï, qui, lors de la présentation de cette collection printanière, m’a épatée avec ses modèles arborant de joyeux motifs géométriques et floraux très vivants. J’ai beaucoup aimé, bravo !

La mode éco-responsable en tant que leitmotiv

Lors de cette grande soirée mode, Kathy Lefrançois, artiste passionnée et créatrice de Lefrançois Créations, a présenté à son tour une jolie collection éco-responsable insufflant élégance durabilité et intemporalité dans chaque pièce qui la compose. Et, j’ai bien aimé, bravo !

Fabuleuse Manik Fashion

J’ai connu Manika Gaudet, il y a quelques années, lors d’une des éditions du Gala Bulles & Tapis Rouge présentée au Grand Quai du Port de Montréal. Assise juste à côté d’elle en front row, c’était magique, nous avons simplement jasé et échangé et le courant a rapidement passé entre nous. Plus tard, j’ai assisté à quelques reprises à ses magnifiques défilés de mode présentés notamment au célèbre Blaxton de Québec et j’ai de nouveau adoré ses collections.

Ce vendredi, j’ai entre autres découvert les magnifiques vestes peintes à la main de Manik Fashion. Et, quelle belle idée, car ces vestes sont uniques en leur genre et elles démontrent bien le talent artistique de Manika Gaudet.

La collection de Manik Fashion est un autre coup de cœur de cette grande soirée mode.

Rien ne se perd, tout se crée…

Eveline Gélinas et Marie-Claude Trempe, créatrices de Rien ne se perd, tout se crée , ont présenté ce soir-là un sympathique défilé hommes et femmes lors duquel j’ai beaucoup aimé l’aspect ludique des créations. J’ai également adoré cette joie de vivre illustrée par les motifs graphiques des images réalisées, car l’effet visuel est impressionnant.

Cette collection est d’ailleurs un coup de cœur perso de la soirée, bravo !

Favoriser la diversité corporelle

Lors de cette grande soirée mode, Mélanie Duhaime, créatrice de Slak, a présenté un inspirant défilé lors duquel on a pu admirer des créations éco responsables favorisant la diversité corporelle. Les modèles proposés étaient également visiblement confortables, les coupes modernes, les motifs vivants et colorés. J’ai bien aimé, bravo !

S’inspirer de la géologie pour créer

Lors de cette grande soirée mode, Anne-Sophie qui est géologue de formation a présenté sa collection de T-shirts unisexe nommés « J’ai de la veine », jeu de mot avec veine qui correspond à une formation géologique.

Forte de ce slogan, elle s’est inspirée de la beauté de la terre pour créer ce motif sur le chandail. Ce motif représente donc une veine aurifère, formation géologique que l’on retrouve dans la nature. Anne-Sophie est de plus vulgarisatrice scientifique et créatrice de contenu sur la chaîne YouTube « Terre et trésors ».

Découvrir l’univers de Violette Mode

Créatrice de mode que j’ai découvert ce soir-là, Émilie Picard, designer de Violette Mode et cofondatrice de l’événement, a présenté, pour clore ce grand défilé en beauté, une superbe collection tout en féminité où les modèles proposés inspiraient grâce et élégance. J’ai notamment bien aimé les jumpsuits et les chemisiers cache-cœur présentés, car ils m’inspiraient voyages et glamour !

Cette collection est également l’une de mes coups de cœur de la soirée, bravo !

Bref, une formidable soirée mode passée en compagnie de Le Rendez-vous, mode québécoise à admirer les magnifiques créations québécoises présentées. Et, merci pour ce bel accueil où créativité et diversité étaient à l’honneur !

Photographies, travail personnel et François Berthiaume, Le Rendez-vous, mode québécoise, Le Grand Marché de Québec, 20 mars 2026.

Samedi 21 février 2026, c’était soir de fête alors que McKenna Bisson, créatrice de MAS Montréal, présentait, à son studio de création du boulevard Crémazie, BLOOM sa toute nouvelle collection écoresponsable P/E 2026 et célébrait par la même occasion le 10e anniversaire de sa marque.

Défilé de mode anniversaire orchestré de main de maître par Emanuela Lolli, fondatrice de Fashion Preview.

Pour McKenna Bisson, se sentir bien quotidiennement et être confortable dans ce que l’on porte est au cœur de sa démarche créative. Leitmotiv que l’on remarque immédiatement via l’authenticité de sa marque, et ce, par le biais du design sobre et songé des modèles qu’elle crée.

Les lignes de ces modèles sont droites et épurées. Les joyeux détails inusités qu’elle insère ça et là, les coupes amples et fluides de ses vêtements procurent cette allure cool et décontractée que l’on aime assurément porter, et ce, que l’on soit âgée de 20 ans ou bien de 55 ans et plus.

Et, lorsque l’on admire l’ensemble de cette collection, il s’en dégage une véritable ATTITUDE, ce wow, ce je ne sais quoi qui la rend si formidable.

BLOOM – Collection 10ème anniversaire

Cette nouvelle collection inspire douceur, confort et intemporalité à la fois. Les couleurs de terre, les teintes pastelles, le blanc cassé, le jaune rayonnant et le noir profond procurent diversité et joie de vivre à celle-ci. Forte de ses 10 ans d’expérience, McKenna Brisson travaille les fibres nobles naturelles telles que le coton et le lin, mais aussi notamment le Tencel et la viscose, toujours avec la même attention et ce souci du détail.

Passionnée par le design, l’art et l’architecture, ses sources d’inspiration sont nombreuses et variées telles que les voyages, la diversité culturelle, le développement personnel et l’estime de soi.

Une démarche écoresponsable

McKenna Brisson privilégie les tissus doux et de grande qualité afin de s’inscrire dans une démarche viable de développement durable. Elle adhère ainsi au mouvement de fabrication circulaire avec conviction, ce qui signifie produire localement afin de maximiser l’efficacité du processus dans le but de réduire les matières résiduelles qu’elle utilise, et ce, de façon créative.

À propos de MAS Montréal

Originaire de Lévis, ville située sur la rive sud de Québec, McKenna Bisson étudie en marketing de la mode au CNDF, puis à l’Université Laval en sciences de la consommation. Elle s’installe par la suite à Montréal en 2014 où elle travaille chez Ogilvy. Elle fonde, en 2016, MAS Montréal.

Un nom de marque porteur de sens

Más signifie « plus » en espagnol, et pour la talentueuse créatrice de mode, c’est ce souci d’offrir toujours plus à sa clientèle, à savoir plus de choix, plus de tailles, avec une attention toujours plus personnalisée. Vision qui se concrétise par un produit mode de grande qualité et un service client hors pair.

L’importance de la diversité corporelle dans sa démarche créative

McKenna Bisson a grandi dans un milieu culturel peu diversifié et plus jeune elle a longtemps lutté contre l’insécurité de son propre corps. Elle découvre un jour le CrossFit, ce qui transforme ses insécurités émotionnelles en force novatrice l’amenant ainsi à développer sa confiance en soi.

Par la suite, lorsqu’elle travaille en industrie de la mode à Montréal et désire se vêtir selon ses goûts, les diktats de la mode imposent des silhouettes filiformes qui lui conviennent peu, ce qui l’inspire alors à créer une collection de vêtements qui met en valeur le mouvement naturel du corps des femmes et qui permet ainsi de se sentir bien dans sa peau tout en étant authentique.

« Engagée dans l’innovation et la durabilité, MAS Montréal vise à minimiser les déchets et à offrir un soutien à celles qui ont été jugées par les normes traditionnelles », clame t-elle.

Bref, une formidable collection qui va bien au-delà des standards établis et qui prône la diversité corporelle dans ce qu’elle a de plus beau à offrir, bravo et longue vie à MAS Montréal !

Sources recherches : Site Web de MAS Montréal

Photographies : Jubal Picturer

Mardi 3 février 2026, Madeleine Goubeau, Ph. D. en communication, présentait à l’Université Laval une pertinente conférence traitant de l’habillement en tant qu’outil de communication en diplomatie publique. Et, quel enrichissant moment passé en sa compagnie !

Conférence accessible à tous, et présentée dans le cadre du séminaire offert par la professeure adjointe Khaoula Zoghlami du département d’information et de communication publique, cette conférence portait une réflexion allumée sur le rôle politique et diplomatique que joue l’habillement dans la société d’aujourd’hui.

Issue de la thèse exploratoire du doctorat de Madeleine Goubeau intitulée Concevoir l’habillement en tant qu’outil de diplomatie publique à partir d’une perspective communicationnelle, cette enrichissante conférence permettait notamment de répondre aux questions suivantes à savoir comment et pourquoi les États-nations se servent de l’habillement, de la mode, pour communiquer avec les publics étrangers afin de les influencer dans le but ultime de servir leurs propres intérêts.

L’approche empirique

La conception théorique de la recherche de Madeleine Goubau est basée sur une approche empirique où elle a effectué des entretiens auprès de plusieurs participants lors de l’Exposition Universelle de Dubaï qui s’est déroulée de 2021 à 2022, et ce, en sélectionnant trois nations distinctes à savoir le Canada, la Belgique et la Thaïlande.

Lors de son processus de recherche, Madeleine Goubeau a également défini, en tant que CADRAGE, le terme habillement au sens de « tout ce qui a trait à l’habillement ».

Dans ce contexte, la chercheuse a identifié et catégorisé les manifestations possibles de l’habillement en diplomatie publique, à savoir le fait de répondre à la question « QUOI » de sa recherche.

Réponse qui s’est concrétisée en termes de RÉSULTATS, qui permettent de refléter les manifestations observées de cet habillement en diplomatique publique. Ces manifestations s’observent, selon l’étude, sous la forme d’emblème, d’industrie/domaine, d’événements spéciaux, de pratique, de représentation et d’objet matériel.

L’objet matériel

Cet objet se manifeste par l’uniforme dans son ensemble que portent les hôtes et hôtesses à l’accueil de l’Exposition Universelle de Dubaï à savoir les bijoux, les écharpes, les chaussures, la couleur de celui-ci et la matière dont il est fabriqué.

Autre exemple, la manifestation se concrétise également par l’industrie/domaine, ce qui a permis à NATAN, marque de vêtements belge, d’être mise en avant scène, représentant ainsi un outil promotionnel de taille pour l’entreprise mode.

Le pourquoi de la recherche

Les motifs exprimés en 5 approches représentent le POURQUOI et ces motifs sont liés à l’image de l’État-nation, à la nature de l’initiative, à l’économie, à l’approche multifonction et à celle non orchestrée.

L’approche liée à l’image de l’État nation

Lors de cette grande exposition universelle, les hôtes du Pavillon de la Thaïlande désiraient traduire en images l’attitude accueillante et chaleureuse du pays. Pour ce faire, le logo de la délégation, l’architecture du bâtiment, les motifs des uniformes, bref tout était en parfaite harmonie avec la symbolique de la guirlande circulaire de fleurs traditionnelle, ce qui traduisait ainsi les attitudes, les valeurs et les comportements d’usage propres à ce pays.

L’approche liée à la nature de l’initiative

L’habillement peut permettre de faciliter l’identification de l’État-nation qui est responsable d’une initiative de diplomatie publique. Lors de cette exposition, des dizaines de pavillons se déployaient l’un à côté de l’autre. L’exemple du pavillon de la Thaïlande démontre bien que les uniformes du personnel d’accueil reprenaient les lignes de l’architecture du bâtiment à travers le design des vêtements afin de permettre cette identification.

L’approche liée à l’économie

L’apport économique, lors d’une telle exposition est bien réel. Par exemple, les pavillons belge et thaïlandais comportaient tous les deux une boutique souvenir proposant différents produits locaux, notamment dans le domaine de la mode. Ces produits ont donc été sélectionnés selon leur efficacité à contribuer à l’image de marque de l’État-nation.

L’approche multifonction

Toujours selon l’étude, une même manifestation de l’habillement en diplomatie publique peut s’exprimer par plusieurs approches. Lors de spectacles présentés au pavillon thaïlandais par exemple, les costumes devaient exprimer, avec rigueur, les différentes cultures régionales du territoire dans le but d’attirer l’attention des visiteurs, et ce, par le biais de créations qui sont amusantes, excitantes et magnifiques. Le but étant que les visiteurs du pavillon deviendront peut-être un jour des gens d’affaires intéressés à venir investir en Thaïlande.

L’approche non orchestrée

Difficile à démontrer, celle-ci implique que l’habillement est présent sans que cette présence soit stratégique ou que son déploiement soit encadré. Cette présence s’inscrit dans la vie quotidienne. Les acteurs de la diplomatie publique s’habillent inévitablement pour vaquer à leurs occupations.

Bref, cette pertinente conférence permettait de saisir, à partir d’intéressants exemples concrets et forts éloquents, à quel point l’habillement, la mode, influence la diplomatie publique, faisant de lui un puissant outil de communication dans la pratique de cette diplomatie.

Source recherche :

Thèse de doctorat en communication présentée par Madeleine Goubau – Concevoir l’habillement en tant qu’outil de diplomatie publique à partir d’une perspective communicationnelle – novembre 2024, UNIVERSITÉ DU QUÉBEC À MONTRÉAL, Service des bibliothèques.

Photographies, travail personnel et François Berthiaume, Faculté des lettres et des sciences humaines, Université Laval, Québec, 3 février 2026.

Et, c’est une belle nouvelle mode, car le retour tant attendu de cette seconde édition confirme le statut de Montréal comme capitale nord-américaine de la mode. Forte de ce retour, les 21 et 22 avril 2026 au Grand Quai du Port de Montréal, Première Vision Montréal permet d’inscrire la ville durablement à l’instar des grandes capitales de la mode tels que Paris et New York.

De ce fait, ce salon, d’envergure internationale, vient renforcer indéniablement le positionnement de Montréal comme pôle d’attraction stratégique nord-américain, se situant ainsi à la croisée des chemins entre création, innovation et fabrication en série de façon écoresponsable.

Vendredi 23 janvier dernier se déroulait à l’Hôtel Monville le déjeuner de presse afin d’annoncer le retour de ce grand salon mode à Montréal.

Première Vision Montréal, en 2025, c’était plus de 104 kiosques, 310 exposants issus du Québec, du Canada et de l’international ainsi que plus de 2 300 visiteurs.

Première Vision qui fait partie du groupe GL events, est LA référence mondiale en matière d’innovation textile et de prospective mode. Lors de sa première édition l’an dernier à Montréal, ce salon a réuni plus de 104 exposants issus du Québec, du Canada et de l’international et a de plus attiré 2 300 visiteurs confirmant ainsi l’attrait de la métropole en tant que carrefour créatif et industriel de la mode.

D’enrichissantes rencontres

Ce prestigieux salon offrira de nouveau, cette année, un espace privilégié de dialogue et d’anticipation où fabricants de textiles, fournisseurs de matières premières, créateurs de mode, marques et leaders de l’industrie se rencontreront afin d’explorer les tendances émergentes, les innovations technologiques et les récentes pratiques durables notamment en matière de circularité et d’écoresponsabilité.

Contribuer à faire rayonner le savoir-faire d’ici

Une fois de plus, portée par mmode, la grappe métropolitaine de la mode, Tourisme Montréal et le Ministère du Tourisme du Québec, la seconde édition canadienne et montréalaise de Première Vision s’affirmera comme joueur majeur du rayonnement et du savoir-faire local.

D’importantes retombées économiques

Première Vision, salon qui est un véritable moteur de transformation, accompagne les industries de la mode, du textile et de l’habillement vers un futur qui est résolument novateur, durable et interrelié, tout en procurant des retombées structurantes pour l’économie québécoise et le tourisme d’affaires.

Un véritable levier de compétitivité

Ce salon est également un véritable hub de compétitivité favorisant le rapprochement entre fournisseurs, fabricants, créateurs de mode et marques, soutenant ainsi l’innovation industrielle tout en accompagnant la relocalisation stratégique de certaines fabrications en série.

Première Vision sécurise de plus les chaînes d’approvisionnement, renforce la compétitivité internationale des PME modes québécoises et permet de consolider une industrie textile et d’habillement durablement ancrée sur le vaste territoire québécois.

« Dans un contexte de reconfiguration des chaînes d’approvisionnement mondiales, l’ancrage de Première Vision à Montréal constitue un levier stratégique pour renforcer la compétitivité internationale des entreprises québécoises, valoriser l’expertise locale et consolider une filière mode et habillement plus forte, intégrée et tournée vers l’avenir », précise Mathieu St-Arnaud Lavoie, directeur général de la Grappe mmode.   

Une riche programmation d’acteurs, actrices investies de la mode québécoise et canadienne

Les différentes conférences et ateliers présentés lors de Première Vision Montréal permettront d’explorer des thématiques clés pour l’écosystème de la mode et de l’habillement. C’est ainsi que la mode, les arts, le rayonnement international d’entreprises québécoises, l’innovation durable, la relocalisation, la transformation numérique et les collaborations internationales seront au cœur des discussions de cette prometteuse seconde édition.

De profitables outils au service des PME  

Ces précieuses informations offriront aux participants des outils concrets pour anticiper les grandes tendances du marché, renforcer leur compétitivité et saisir de nouvelles occasions de croissance, tout en mettant de l’avant l’expertise et la richesse des acteurs québécois et canadiens du domaine de la mode.

« La force de l’écosystème québécois réside dans la qualité de ses talents et sa capacité à collaborer pour innover. Montréal offre à Première Vision un terrain unique pour valoriser cette excellence à bâtir des projets ambitieux qui font avancer toute l’industrie », mentionne Thierry Langlais, Vice-Président aux Opérations chez Première Vision.  

Une convergence d’événements modes

Le lendemain de Première Vision Montréal 2026, soit le 23 avril prochain, Montréal sera l’hôte des Prix canadiens des arts et de la mode, les Canadian Arts and Fashion Awards. Et, c’est d’ailleurs Vicky Milner, co-fondatrice et présidente du CAFA, qui en a fait l’annonce lors du déjeuner de presse.

Cette convergence d’événements majeurs témoigne de l’attractivité sans cesse croissante de Montréal qui est d’ailleurs reconnue tant pour le savoir-faire de ses créateurs de mode que pour la solidarité et l’expertise de son écosystème manufacturier. Convergence d’événements qui confirme ainsi le rôle central de la ville comme vecteur d’innovation, de création et de rayonnement pour la mode locale qui est en pleine effervescence.

Bref, une prometteuse édition en vue au Grand Quai du Port de Montréal, les 21 et 22 avril prochains, lors de laquelle d’intéressantes rencontres, d’enrichissantes conférences modes et des découvertes inédites seront au rendez-vous afin de nous faire vivre Montreal Fashion toujours aussi vibrante !

Relations de presse, communiqué et visuels graphiques : mmode, grappe métropolitaine de la mode, 23 janvier 2026.

Photographies du salon Première Vision, travail personnel et François Berthiaume, Première Vision Montréal – 1ère Édition, avril 2025.

En cette période de célébrations, je souhaite à chacun d’entre vous une heureuse année 2026 remplie de bonheur et de sérénité,

DL Vision Mode

Le 13 novembre dernier, Hinda Abdelkrim présentait à sa boutique, située au 170 rue St-Paul Ouest à Montréal, sa toute nouvelle collection homme et femme des fêtes 2025 signée Hinda A. Suivi d’un cocktail de bienvenue, les invités triés sur le volet ont pu réseauter et échanger avec la créatrice dans une atmosphère conviviale et intimiste.

Conçue à partir de matières nobles telles que le cachemire, les belles dentelles, les imprimés jacquard et la soie, cette magnifique collection fabriquée à la main inspire, pour les modèles féminins, grâce, assurance et modernité.

Originaire de Tunisie, Hinda Abdelkrim étudie en art et stylisme à l’École ESMOD de Tunis. Elle s’installe par la suite à Montréal en 2001 où elle étudie en design de mode à l’Académie Internationale de Design et Technologie afin d’obtenir son diplôme d’études collégiales en 2002.

Forte de ces formations, elle œuvre dans le milieu au sein de différentes entreprises modes canadiennes dont notamment Bedo, RD International et Pendleton Canada. Elle lance, en 2006, sa propre marque de vêtements sous le nom de Symbiose par Hinda A.

Cumulant plusieurs années d’expérience dans le domaine de la mode et toujours aussi passionnée, elle lance, en 2017, Hinda A. Marque éponyme de vêtements dont les modèles sont dessinés et conçus à même l’atelier de la designer. Atelier qui est situé en plein cœur des prairies, à St-Isidore, en Montérégie. Un endroit apaisant où dame nature est sa principale source d’inspiration.

Designer de grands talents, Hinda Abdelkrim travaille les matières nobles, naturelles, brutes ou bien recyclées, et ce, en y ajoutant d’intéressants détails qui font de ses modèles des pièces exclusives et uniques en leur genre. Les coupes, formes et volumes démontrent d’ailleurs bien cette créativité débordante.

Son leitmotiv : créer de beaux vêtements pour tous genres de personnes afin de les vêtir pour qu’elles se sentent bien de l’intérieur comme sous le regard d’autrui.

Un coup de cœur perso ? Certainement, pour cette jolie robe ballon aux larges plis creux où la couleur rayonnante procure luxure et soir de fête !

Modèles fabriqués en quantité limitée, ceux-ci sont offerts dès maintenant à sa boutique du Vieux Montréal.

Boutique Hinda A. 170 rue Saint-Paul Ouest, Montréal.

Relations de presse, Matthieu Lizotte – WOLFEMTL.

Il y a de ces créateurs de mode qui ne laissent personne indifférent et c’est le cas du grand Helmer Joseph qui nous a fait voyager mardi soir, 18 novembre 2025, à la Gallerie WIP de Montréal alors qu’il nous transportait élégamment sur SA route du coton. Magnifique collection de chemisiers blancs qui donnait suite à la superbe collection présentée en février 2024.

C’était définitivement soir de fête où le tout Montreal Fashion et ses environs, c’était donné rendez-vous pour ce défilé de mode d’exception présenté en collaboration avec la Mosaïque Interculturelle et la SAVAC.

En présence de diplomates, de gens de la communauté d’affaires, de personnalités de la mode, de journalistes, de blogueurs influents, de fidèles clients, d’amis, de membres de la famille d’Helmer Joseph et de Tinashe Musara, directeur artistique et styliste, nous avons assisté à une formidable soirée mode.

Les invités triés sur le volet ont également pu découvrir La Route du Coton, première édition, par le biais d’une intéressante exposition mode et photographique réalisée par Zach Phan. Cet événement célébré en grand a aussi permis d’apprécier les délicieuses bouchées concoctées avec soin par le Chef Paul Toussaint, tout en réseautant autour d’un apéro festif.

Le coton, cette fibre noble

Réalisée à partir de la fibre noble qu’est le coton, Helmer Joseph a dessiné une vingtaine de chemisiers blancs réalisés pour toutes occasions dans différentes armures de tissage de coton tels que la popeline, la gabardine, la batiste, l’organdi, la satinette, la flanelle et le molletonné de coton.  

D’ailleurs, pour cette collection, la batiste et l’organdi de coton ont été soigneusement mis à l’avant-scène, car ce sont les tissus les plus fins, les plus lumineux et les plus riches. Ce qui en résulte des créations hors du commun.

Ce même coton a été également brodé, festonné et plissé afin de déployer toute sa richesse, sa souplesse et les différentes facettes de cette matière grâce à de savantes manipulations textiles. Et, ces modèles sont tous des coups de cœur perso de cette magnifique collection.

Ce grandiose défilé de mode démontrait à quel point le coton, cette fibre noble, a bel et bien sa place de nos jours dans la culture, dans la garde-robe actuelle et dans le processus créatif d’une collection.

Collection d’ailleurs ultra féminine, aux menus détails où le travail de coupe à plat, de proportions des lignes et des formes est merveilleusement mis en valeur par le vaste savoir-faire du créateur de grande expérience, et j’ai adoré !

Le coton d’Haïti

Celui-ci se cultivait à l’époque dans l’Artibonite, la région d’origine du créateur de mode. Une fibre de base donc pour tous les tissus qui servaient à fabriquer des vêtements, des accessoires comme des foulards, des sous-vêtements et des linges de maison.

Toujours aujourd’hui, c’est la matière la plus naturelle et la plus adaptée à la chaleur des tropiques et aux journées caniculaires des Caraïbes, car le coton possède cette propriété de fraîcheur et de bien être. Le Projet Route du Coton n’est pas une relecture du passé, mais bien une vision actuelle du coton d’Haïti qui s’inscrit dans la mode actuelle.

Bref, une formidable soirée Mode & Art où le coton retrouve, par l’esprit créatif d’Helmer Joseph, toutes ses lettres de noblesse. Cette magnifique collection nous a d’autant plus fait voyager et transporter dans de lointaines contrées où seul le créateur en connaît les secrets !  

Une soirée mode d’une telle envergure demande à l’arrière scène toute une équipe, telle une fourmilière, qui s’active ardemment à

L’équipes de production : 

Pour l’exposition : 

Créateur mode Helmer Joseph

Direction artistique et styliste : Tinashe Musara

Photographe : Zach Phan 

Maquillage : Marika d’Auteuil 

Coiffure : Rafaelle Estrada 

Mannequin : Trina Atiliu 

Et, pour le défilé de mode : 

Créateur mode Helmer Joseph 

Direction artistique et styliste : Tinashe Musara

Maquillage : Marika d’Auteuil 

Assistance maquillage : Emma Busch et  Anna Martin 

Coiffure : Rafaelle Estrada 

Assistance coiffure  : Marie-Pier Durand 

Relations publiques : Matthieu Lizotte – WOLFE MTL COMMUNICATIONS 

Photographies, François Berthiaume, La Route du Coton, seconde édition, Helmer Joseph. Gallerie WIP, Montréal, 18 novembre 2025.

Visiter le site archéologique de Chichén Itzá au Mexique, classé patrimoine mondial de l’UNESCO en 1988 et figurant parmi les 7 nouvelles merveilles du monde moderne, c’est découvrir cette énigmatique et ancienne cité maya ainsi que la magnificence de sa pyramide, la Pyramide de Kukulcán ou El Castillo, symbolisant la grandeur de la civilisation Maya Itzá.

Un temple

Cette impressionnante pyramide à degrés est en fait un temple qui a été construit par le peuple Maya Itzá aux époques classique et postclassique. Sa construction remonte entre 550 et 1 300 apr. J.-C. Et, cette pyramide de calcaire a été érigée en l’honneur de Kukulkan, dieu serpent à plumes d’origine toltèque. Ce temple est d’ailleurs l’un des monuments mexicains remontant à la période précolombienne les plus connus.

Une architecture hors du commun

La Pyramide de Kukulcán qui est parfaitement symétrique mesure 30 mètres de haut, ce qui est peu élevé pour ce type de construction. Bien qu’elle soit de dimension modeste, cette pyramide possède toutefois des caractéristiques architecturales bien distinctives, à savoir son style architectural synthétisant à la fois l’architecture toltèque et maya.

Un calendrier solaire

Cette pyramide se compose de 9 terrasses carrées qui sont surmontées d’un temple de 6 mètres de haut. Les côtés de la pyramide s’élèvent selon un angle de 53 degrés et les 4 faces de celle-ci présentent 91 escaliers qui s’élèvent selon un angle de 45 degrés, totalisant ainsi 364 marches. En ajoutant le haut de la pyramide, on obtient 365, ce qui équivaut au nombre de jours que comporte le calendrier solaire.

À la base de la pyramide, on peut également apercevoir des balustrades situées au bas de l’escalier nord-est sur lesquelles sont sculptées deux têtes de serpent.

Fascinante Pyramide de Kukulcán

La Pyramide de Kukulcán est de plus alignée de façon astronomique produisant ainsi d’intéressants jeux d’ombre particulièrement aux équinoxes et au solstice d’été. Jeux d’ombre qui évoquent l’ondulation du corps d’un serpent qui descend le long des marches de l’escalier nord-est.

Une divinité vénérée

Dans la religion maya, Kukulkan est le nom de la divinité du serpent à plumes. Il est le dieu de la résurrection et de la réincarnation. Selon la croyance maya, ce serpent à plumes reviendra sur terre lorsque la fin du monde arrivera.

Un son mystérieux

Lorsque l’on tape dans les mains à environ 10 mètres de distance de la pyramide, un écho déformant l’applaudissement projette un son similaire à celui du quetzal. Son qui est audible dans l’alignement de l’escalier nord nord-est. Et lors de ma visite, c’est ce qui m’a le plus impressionné parce que ce son est hilarant et intrigant à la fois !

Son

Un oiseau mythique

Le quetzal est, pour les Mayas et les Aztèques, un oiseau sacré au magnifique plumage vert et bleu ciel. Ces civilisations y voyaient en cet oiseau une réincarnation de dieu, soit le dieu Quetzalcóatl pour les Aztèques et le dieu Kukulcán pour les Mayas.

Ce son mystérieux expliqué

Le son qu’émet la pyramide de Kukulcán est mystérieux et le phénomène acoustique qui se produit a bel et bien été imaginé par les constructeurs futés mayas de l’époque grâce à la savante conception des marches de l’escalier.

Ces constructeurs ont conçu les dimensions des marches afin d’obtenir précisément cette déviation sonore de l’onde, une diffraction, afin de procurer ce son en raison, selon certains, de cérémonies spéciales ou bien de fêtes religieuses.

Le quetzal étant un oiseau sacré pour les Mayas, sa présence sonore à travers cette pyramide est vue comme un exploit architectural et une connexion spirituelle. (1)

Et que retrouve t-on à l’intérieur de la pyramide ?

Cette intéressante vidéo d’Anil Brancaleoni dresse un portrait du site archéologique de Chichén Itzá et traite des dessous de cette mystérieuse pyramide.

Comment ont-ils pu faire cela ?

Bref, définitivement, cet immense site archéologique est à voir pour être surpris et transporté dans un lointain passé où cette grande civilisation a réalisé ce que l’on considère aujourd’hui comme étant l’une des 7 merveilles du monde moderne.

Photographies, travail personnel et François Berthiaume, Chichén Itzá, État du Yucatán, Mexique, mars 2025.

Merci à l’agence de visite touristique COBA Sunset pour cette mémorable journée culturelle !

Sources recherches :

Wikipédia, l’Encyclopédie libre.

National Geographic, Voyage et Aventure, Chichén Itzá.

(1) Sources son de la pyramide – Résumé de l’IA provenant de :

Acoustique et Histoire – Pyramide de Kukulcán, 21 février 2023, Quand l’acoustique se mêle à l’Histoire !

Archaeology & Civilizations, publication Facebook, Kenny McCaffery,19 décembre 2024.

Jeudi 29 octobre 2025 se déroulait à la galerie Chiguer Art Contemporain St-Vallier le Vernissage de l’intéressante exposition consacrée notamment au travail de Marcelle Ferron (1924-2001), artiste du mouvement automatiste et pionnière de l’art moderne québécois. Et, quelle agréable soirée passée à admirer autant de talent et de force émotionnelle !

Un parcours inspirant

Exposition qui se tient jusqu’au 30 novembre prochain, celle-ci permet d’admirer des œuvres vibrantes datant des années 60, 80 et 90 ainsi que de magnifiques expérimentations lumineuses en verre datant de la décennie 70.

Figure incontournable de l’art moderne québécois, Marcelle Ferron, artiste visionnaire, révolutionnaire et engagée, guide, par ses convictions, un idéal de liberté contribuant ainsi à faire entrer le Québec dans la modernité.

Un esprit rebelle et engagé

Inspirée et conseillée par son mentor, Paul-Émile Borduas, l’artiste travaille dans les années 50 et 60 la lumière et la couleur. C’est ainsi que traversées par d’amples mouvements et différents contrastes, ses œuvres se révèlent être tumultueuses et sensuelles à la fois.

Peintes avec toute la fougue et l’énergie de sa jeunesse, ses toiles traduisent l’esprit rebelle de ces décennies de révolution et de bouleversements sociaux partagées entre la France et le Québec.

Les tableaux réalisés de 1980 à 90, empreints de sérénité, expriment une maturité chez l’artiste plus apaisée et témoignent ainsi d’une remarquable maîtrise de la couleur et de la lumière.

Une artiste verrière

Cette exposition remplie d’émotion inclut un rare corpus de verres fusionnés datant des années 70, époque durant laquelle Marcelle Ferron expérimente la transparence et la lumière de ce matériau et s’intéresse à l’intégration de l’art dans l’espace public. Ses magnifiques vitraux, 1968, d’ailleurs visibles à la station de métro Champ-de-Mars à Montréal et au palais de justice de Granby, 1979, en constituent de mémorables exemples.

Des œuvres sur papier

L’exposition met également en scène une sélection de peintures sur papier, un aspect plus intime de sa pratique artistique. Ces œuvres témoignent ainsi de son grand intérêt pour le dessin et de sa capacité à transformer les supports visuels les plus simples en espaces de liberté et d’expérimentation artistique tout en conjuguant rigueur et spontanéité du dessin, structure et improvisation.

Un coup de cœur de la soirée ? Oui, définitivement et il va pour l’œuvre sans titre créée en 1996 où la rondeur de la composition de l’image et les coups de pinceau m’inspirent enveloppement, motifs animaliers et mystère.

Lors de cette exposition, le visiteur pourra également découvrir des œuvres de Catherine Bolduc et d’Yvon Cozic. Exposition qui est définitivement à voir !     

Photographies François Berthiaume, Galerie Chiguer Art Contemporain St-Vallier, Québec, 29 octobre 2025.

C’était soir de fête au Complexe Novi de Québec alors que se déroulait  le Vernissage privé de la nouvelle exposition de Jean-Philippe Fortin intitulée Mémoire, et ce, en présence de l’artiste, de nombreux collectionneurs, des membres des médias et des acteurs du milieu culturel.

Mémoire – Les traces qui demeurent                      

Cette impressionnante exposition, notamment pour le format des œuvres présentées, rassemble plus de 25 toiles toutes plus puissantes et affirmées les unes que les autres.

À travers ce travail artistique, Fortin Artiste Peintre revisite à sa façon la liberté du geste et la puissance de la matière dans un dialogue contemporain inspiré de l’héritage culturel de Jean Paul Riopelle, sa principale source d’inspiration.

Un langage pictural et visuel en pleine évolution

Influencé dès son plus jeune âge par le travail artistique des peintres tels que Riopelle, Pollock et Borduas,  Jean-Philippe Fortin poursuit aujourd’hui sa quête de liberté à travers un travail profondément incarné. Et, cette exposition en est définitivement le fruit !

Par ses nouvelles œuvres, il explore la transmission, la trace et la mémoire vivante de ces artistes, c’est ainsi que les toiles de Fortin sont denses et lumineuses. Elles inspirent force, puissance du geste et plénitude. L’artiste marie aisément technique au charbon, empâtements et couches de la matière procurant ainsi cet effet rebelle comme lui seul peut le réaliser.

D’ailleurs l’œuvre intitulée Bohème est mon coup de cœur perso de cette grande exposition !

Les couleurs utilisées éclatent, se confondent et se superposent les unes aux autres, créant ainsi d’incroyables univers immersifs où l’œil est littéralement projeté vers le tableau. D’ailleurs, lors de cette soirée, les convives étaient invités à regarder les œuvres à travers des lunettes de type 3 dimensions afin de découvrir la magie qui se cache derrière chacune d’elle.

Ses œuvres deviennent ainsi un territoire singulier à habiter porté par une incroyable expérience physique, émotionnelle et sensorielle.

« Je veux que la peinture circule, qu’elle appartienne à tout le monde. L’art ne devrait pas s’enfermer dans des codes : il doit toucher, provoquer, et rester vivant » déclare l’artiste.

Bref, des œuvres puissantes pour un artiste fier et assumé, bravo !

L’exposition Mémoire est accessible au public vendredi 24 octobre 2025 de 16 h à 20 h et samedi 25 octobre 2025 de 11 h à 16 h au Complexe Novi de Québec.

Photographies, travail personnel et François Berthiaume, Exposition Mémoire, Fortin Artiste Peintre, 23 octobre 2025, Complexe Novi, Québec.